In den letzten Wochen ist unser Team von der Corona-Krise ziemlich durcheinandergewirbelt worden und es hat etwas gedauert, bis wir uns als Split-Screen wieder zusammengefunden haben.

Wir haben Zeit verstreichen lassen und beobachtet, was passiert, um herauszufinden, was unsere Rolle in dieser Situation ist. Wie viele haben wir uns aber auch häufiger über Aerosole unterhalten als über ortsspezifische Kunst. Wir wollen vorerst nicht unsere Ausstellung und Veranstaltungen als Streaming fortführen, sondern zuerst diese Situation nutzen und den entstehenden Fragen und der damit zusammenhängenden Unsicherheit Raum geben. Kontinuität suchen wir dabei hinsichtlich unserer Kooperationen, der aktuellen wie auch der für das Jahr geplanten, der »angefragten« Künstler*innen und Vortragenden.

Das neue Jahresprogramm, beginnend mit der nun auf unbestimmt verschobenen nächsten Ausstellung, lautet »Openings, not Openings«. Es geht darum, gemeinsam mit Anderen Öffnungsprozesse zu erarbeiten und weniger sich auf den (immer wieder einmaligen) Akt der Ausstellungseröffnung zu fokussieren. Die Idee ist allerdings nicht »no show«, auch wenn es so scheint als seien das derzeit die Bedingungen. Wir überlegen nun, wie wir mit dem Thema der Öffnungen umgehen, während die Räume geschlossen sind, und was wir entwickeln können, wenn der Ort mit seiner spezifischen Architektur und Geschichte vorerst nur eingeschränkt zugänglich ist. Wir versuchen, aus dieser Situation der Unzugänglichkeit neue Wege der Vermittlung zu entwickeln, in den Austausch zu gehen sowie nach Antworten zu suchen, die bisher noch nicht so viel oder kein Gehör gefunden haben.

Wir haben uns entschlossen, Künstler*innen, Kulturschaffende und Expert*innen zu fragen, wie sie die derzeitige Situation erleben, welchen Umgang sie damit finden und wie sich Arbeitsweisen und Kooperationen verändert haben. Wir hinterfragen dabei auch unsere Rolle und die Bedeutung von künstlerischer Auseinandersetzung in der aktuellen Situation und möchten diese Diskussion öffnen und teilen, auch um uns Wege durch die Krise zu eröffnen.

Beteiligte:

Beteiligte:

Susanne Weiß
Karl Heinz Jeron
Erkan Affan
Monika Rinck
Citizen Art Days
Christopher Weickenmeier
Tuna Arkun
Sara Edström
Monika Gabriela Dorniak
Inga Rosa Kammerer
Shí Kollectiv
Jasmin Werner
Nadja Abt
Theres Laux
Andrea Scrima
Eunsun Ko
Katja Stoye-Cetin
Robert Günther
Heather Purcell
Hugo Rex Tibiriçá
Torben Jost
Khansa Humeidan
Mariana Nobre Vieira
Experimentelles Zukunftslabor
Diversity Arts Culture
Diana Bach
Çiğdem Inan und Katja Diefenbach
Beatrix Joyce
Encoded Earth Lover
Pirate Cinema Berlin
Ariane Müller
Florian Zeyfang
Elis Ottosson
Carolina Redondo
Heike Nowotnik
Marco Clausen
Michela Filzi & Lea Pischke
Esra Nagel und Misal Adnan Yıldız

freie Kuratorin

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Sie kuratiert für Kultur Mitte und das Mitte Museum Berlin aktuell die Ausstellung »Wer wir sind und was wir tun – mitten im Museum« und »David Polzin „Die Noch-Stühle“«.

Künstler

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Karl-Heinz Jeron hat uns letztes Jahr im Rahmen der Ausstellung »Intimate Matter« auf experimentelle Audiotouren mitgenommen.

Aktivist* und Kurator*

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Mit Erkan Affan und SchwarzRund haben wir im letzten Jahr im Rahmen eines TheorieMittwochs über Ausgrenzung und Öffnungsprozesse diskutiert. Im Herbst 2020 wird Erkan Affan als Gastkurator im Bärenzwinger arbeiten.

Lyrikerin und Essayistin

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Monika Rinck ist aktuell mit ihrer Installation »GOLDES WERT« in der Ruine der Franziskaner Klosterkirche zu sehen.

Künstlerische Plattform

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Die künstlerische Plattform Citizen Art Days wird voraussichtlich im kommenden Jahr im Bärenzwinger stationiert sein.

Künstlerischer Leiter der Klosterruine Berlin

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Christopher Weickenmeier war bis 2019 im künstlerischen Leitungsteam des Bärenzwingers und ist aktuell künstlerischer Leiter der Ruine der Franziskaner Klosterkirche. Die von ihm initiierte Online-Ausstellung TIMES IN CRISIS ist weiterhin auf dem Youtube-Kanal der Klosterruine Berlin zu sehen.

Künstler

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Tuna Arkun arbeitet gemeinsam mit Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen in Kunst- und Kulturprojekten. Unter anderem gestaltet er Kurse in der MiK – Jugendkunstschule Mitte.

Künstlerin

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Sara Edström ist derzeit Residentin im Institut für Alles Mögliche. Gemeinsam mit zwei Künstlerinnen betreibt sie Galleri syster in Lulea, Schweden.

interdisziplinäre Künstlerin

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The Singular Is Plural

Die Migrationsgeschichte ihrer Familie führte Monika Gabriela Dorniak dazu, in vereinzelten Projekten mit Geflüchteten zu arbeiten. Für die Initiative ‚Time To Care‘ von @Entkunstung hat sie aktuell Editionen gespendet, um Geld für Flüchtlinge zu sammeln, deren Konditionen sich mit Covid-19 weiter verschlechtert haben. 

Schauspielerin, Theaterpädagogin

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Im Visier Krawattenhut mit integrierter Maske!

Inga Rosa Kammerer arbeitet als freischaffende Schauspielerin für Theater, Film und Fernsehen sowie in der Theaterpädagogik für Kinder und Jugendliche. Sie leitet verschiedene Theaterkurse an der MiK Jugendkunstschule in Berlin Mitte.

Künstlerkollektiv

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Lina Launhardt hatte
eine Performance für den 02.05. geplant, im Rahmen der aktuellen
Ausstellung im Bärenzwinger.

Künstlerin

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Ein Video von Jasmin Werner mit Bezug auf ihre Arbeit ‚Schloss der Republik Burj Khalifa‘. 

Für das »Musée sentimental de l’ours de Berlin« hat Jasmin Werner zwei Installationen auf den Außenterrassen entwickelt, die Modulen von Baugerüsten ähneln und auf die Geschichte rund um das Berliner Stadtschloss rekurrieren. In den bildlichen Teilen der Arbeiten sind verschiedene Reflexionen in Fenstern des Stadtschlosses und des Palastes der Republik miteinander verbunden, sodass sie über zeitliche Abstände hinweg die Geschichte einer Stadt im Wandel und zwischen den Systemen erzählt, die der Bärenzwinger als Denkmal der Stadt ebenfalls durchlaufen hat, aber bisher keine so drastische Veränderung erlebt hat. Die Form der beiden Türme ist an das höchste Gebäude der Welt – das Burj Khalifa in Dubai – angelehnt, in dessen Stahlkonstruktion zu Teilen auch Stahl des Palastes der Republik Eingang gefunden hat.

Künstlerin und Redakteurin

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Alternative Embassy of Brazil
Projekt Proposal für den Bärenzwinger, Berlin

Nur einige Meter vom Bärenzwinger entfernt befindet sich die Brasilianische Botschaft in Berlin. In einer Zeit in der die brasilianische Regierung Menschenrechte und Demokratie mit Füßen tritt, dient die alternative Botschaft als ein Ort der Zuflucht und als Raum in welchem Widerstand organisiert werden kann, sowohl künstlerisch als auch aktivistisch.

Nadja Abt ist Künstlerin und arbeitet als Redakteurin für Texte zur Kunst. Sie lebte zwischen 2015-2018 in São Paulo. Für ihre Collagen, Filme und Malereien nutzt sie Literatur als einen Ausgangspunkt um formale und textliche Ebenen herzustellen, die sich mit brasilianischer Politik und Kunstgeschichte, feministischen Diskursen und dem maritimen Raum beschäftigen. Wir wollen im Frühjahr 2021 mit ihr im Rahmen des Programs »Openings, not Openings« zusammen arbeiten.

Eventkauffrau,
Museologin (M.A.)

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Theres Laux ist unter dem Synonym ArtPlanner für die Organisation von kulturellen und wirtschaftlichen Veranstaltungen verschiedenster Colour zuständig. Alle geplanten
Veranstaltungen, bei denen sich Menschen face to face treffen, mussten abgesagt oder verschoben werden. Mittlerweile wurden einige interessante, digitale Alternativen kreiert,
sodass die kulturelle Vermittlung, Bespaßung und der Informationsfluss über Produkte virtuell fortgeführt werden können. Temporär, nur für einen kurzen Zeitraum; da es um
einiges besser ist Menschen unbekümmert zusammen und lächeln zu sehen.

Die Ausstellung »My Fiction and You« untersucht, wie Fiktionen und Imaginationen zum Bestandteil der eigenen Realität werden und inwiefern diese kollektiviert und sich zum Teil des sozialen Umfelds entwickeln. Wie stark überschneiden sich unsere imaginären Lebensmodelle mit der Wirklichkeit und wie beeinflussen und wo dominieren sie uns?

Dabei erkunden die ortsspezifischen Installationen das Verhältnis von Fiktion und dem Gegenüber. Bedarf es diesem, in dem wir uns widerspiegeln oder mit ihm korrelieren?

Hinterfragt wird dabei auch, inwiefern ein damit in Zusammenhang stehendes Konzept von Freiheit des Individuums nicht selbst schon eine Illusion ist.

Die Künstler*innen Andy Kassier, Britta Thie, Bianca Kennedy und The Swan Collective und Mikka Wellner nehmen in ihrer unterschiedlichen Befragung realer und imaginärer Identitäten Bezug auf den Transfer und die Transformation des analogen Lebens in die digitale Gegenwart und entwickeln davon ausgehend mitunter dystopische Zukunftsszenarien:So wird beispielsweise in provokativer Selbstinszenierung die Funktionsweise und spektakuläre Überzeugungskraft

einer profitorientierten Person und die Rolle, die die Wünsche und Erwartungen der Rezipienten dabei spielen, thematisiert.

Referenzen aus Popkultur und Filmgeschichte verbinden sich mit Reflektionen der physiologischen Grundlagen des Sehens zu einer skulpturalen und ortsspezifischen Installation. Prozesse der „Gamification“ werden anschaulich, wenn Elemente eines digitalen Spiels in eine analoge Umgebung übertragen werden und sich so Spiel und alltägliches Leben wortwörtlich überschneiden. Dabei werden auch Fragen der Kommerzialisierung des eigenen Bildes und das „Trading“, also das „Handeltreiben“ mit der eigenen Person in den sozialen Medien thematisch. Nicht zuletzt befragen virtuelle kafkaeske Verwandlungen unseren Status und unsere Zukunft auf der Erde.

Kuration Ausstellung & Veranstaltungen
Tanja Paskalew, Isabelle Stamm
Katja Kynast

Grafik: Viktor Schmidt
Übersetzung: Andrea Scrima, Hauke Zießler
Produktion: Carolina Redondo

Konzepttext zum Download

Andy Kassier, geboren 1989 in Berlin, studierte an der Kunsthochschule Köln, u.a. bei Johannes Wohnseifer und Mischa Kuball. 2018 schloss er sein Diplom-Studium der Medienkunst mit Auszeichnung ab.

Die Ästhetik des Wohlstands, Konzepte der Selbstdarstellung und die Faszination virtueller Identitäten und Darstellungsmöglichkeiten, die durch das soziale Netzwerk kreiert und rekreiert werden, prägen die Bildsprache von Kassiers Werken. Dabei verwischen die Grenzen zwischen Fiktion und Realität, Kunst und Leben. Die Alter Ego, die er kreiert, verkörpern ironisch die Narrative von Reichtum und Glück in der spätkapitalistischen Gesellschaft. Die Figur Kassier ist die Personifikation des falschen Versprechens; Geld, Macht und Zugehörigkeit seien für alle erreichbar.
Kassier arbeitet mit Fotografie, Video, entwickelt Installationen, Skulpturen und Performances und stellte bisher unter anderem in Singapur, Köln, London, Düsseldorf, Zürich, Winterthur und Berlin aus. Kassiers digitale Identitäten und Performances manifestieren sich auch auf Social-Media-Seiten wie Facebook und Instagram.

Gegenwärtig sieht die Lage des Wohnungsmarktes zahlreicher Großstädte alles andere als entspannt aus. Sozialer Wohnraum ist Mangelware, die Mietpreise sind hoch, trotz eines Mietendeckels, der juristisch gut aufgestellten Immobilienunternehmen seine  Hintertürchen öffnet. Die Gentrifizierung schreitet scheinbar unaufhaltsam voran.
Symptom verfehlter Wohnungspolitik ist der Bauboom von Eigentumswohnungen. Luxusappartements zählen immer noch zu den Prestigeobjekten einer kaufkräftigen ‚Elite‘.

Ein Zukunftsszenarium: Die Politik hat die prekäre Situation fehlenden Wohnraums nicht mehr im Griff. Neben dem rezenten Problem fehlenden Wohnraums der einen Seite der ‚Schere‘, herrscht ebenso rapide steigender ‚Wohnbedarf‘ auf der vermögenden Seite. Die Lage spitzt sich zu und Investoren und Immobilienmakler setzen ungehemmt ihren Fokus auf neue Objekte: Kulturstandorte sollen jetzt zu Luxuswohnraum umfunktioniert werden. Institutionen der Kunst und Kultur gehören längst zu den Relikten zivilisatorischer Vergangenheit.

Diese Vision verfolgt Andy Kassier in der Rolle eines Provokateurs, dem jedes Mittel recht ist, grenzenlosen Profit herauszuschlagen. In seiner installativen Arbeit »Kassier Trust« inszeniert er einen erfolgreichen Immobilienmakler und wirbt in einem Video und auf großformatigem Plakat für eine zukünftige Luxusimmobilie, dem Bärenzwinger, der auch vor Ort im besichtigt werden kann. So spielt er mit den Wünschen und der Gier einer überschaubaren ‚Elite‘, die alles will, um jeden Preis, und zu allem bereit ist.
„[…] Spektakuläre Lügen müssen nicht perfekt sein. Sie stützen sich weniger auf das Geschick des Lügners, als auf die Erwartungen und Wünsche des Zuhörers.“
(Siri Hustvedt)

Bianca Kennedy wurde 1989 in Leipzig geboren und lebt und arbeitet in Berlin. Neben der Athens School of Fine Arts studierte sie auch an der Akademie der bildenden Künste in München und schloss ihr Diplom mit einem Meisterschüler-Abschluss bei Klaus vom Bruch in 2017 ab.

In ihren analytischen Stop-Motion-Animationen stellt sie den menschlichen Abgrund dar und arbeitet regelmäßig an Fotografien und Zeichnungsserien, in denen sie selbst erstellte Miniaturen inszeniert. Kennedys Animationen, Zeichnungen und ortsspezifische Installationen wurden zahlreich in Ausstellungen, Screenings und Festivals präsentiert. Einzelausstellungen hatte sie unter anderem in der C-Gallery in Mailand und in der Alten Münze, Berlin. Sie erhielt zahlreiche Preise (beispielsweise den TOY Berlin Masters Award, Loop Discover Award Barcelona) und Stipendien (u.a. von der Studienstiftung des deutschen Volkes). Künstlerresidenzen führten sie nach Nordamerika, Barcelona, Athen und Tokio und zuletzt ins Künstlerhaus Lukas in Ahrenshoop.

Felix Kraus *1986 in München geboren, ist Gründer von The Swan Collective und studierte von 2007 bis 2014 Medienkunst an der Akademie der bildenden Künste in München, der HFG Karlsruhe und der ASFA in Athen.
Weitere Mitglieder von The Swan Collective sind Richard Tator, Miles Macre, Coca Lloyd und Nils Sanddorn. Die Gruppe mischt verschiedene Techniken wie Virtual & Augmented Reality, Literatur, Malerei und Papierprägungen. Werke des Kollektivs wurden in Institutionen wie dem Kunstmuseum Stuttgart, dem CCBB Brasilien, dem Goethe-Institut Toronto, der Espronceda Barcelona, ZKM Karlsruhe und dem Ägyptischen Museum München gezeigt.

Seine Arbeiten sind in folgenden Sammlungen vertreten: Kunstmuseum Stuttgart, Sammlung Zabludowicz London, Sammlung Philara, Edwin Scharff Museum, Porsche Collection, MACBA Barcelona. Er erhielt Stipendien, Künstlerresidenzen im In- und Ausland und zahlreiche Preise. Zuletzt erhielten Kraus und Kennedy den 1. Preis für ANIMALIA SUM beim Toronto New Wave Festival (2019).

Bianca Kennedy und The Swan Collectivepräsentieren eine immersive Installation, die den Besucher*innen eine neue Identität verleiht. Ihre Arbeit erfährt man mittels zweier recht junger Techniken, der Virtual Reality (VR), bei der eine Wirklichkeit in einer computersimulierten Umgebung virtuell erlebt wird, sowie der Augmented Reality (AR), einer Vermischung von VR mit der physischen Realität.
Der Titel: »ANIMALIA SUM: Ich bin Tiere. Ich esse Tiere.« klingt wie ein Statement und offenbart zugleich einen Konflikt. Mit dem Aufsetzen der VR-Brille geht man interaktiv einen weiten Schritt in die terrestrische Rangordnung zurück und wird in den Körper eines Käfers katapultiert. Mit dieser medial vermittelten kafkaesken Verwandlung wird veranschaulicht, in welcher Abhängigkeit wir bald von diesen winzigen Wesen sein könnten, wenn wir unsere ökologische Lebensweise und Einstellung nicht bald ändern.
„Bei der AR-Arbeit lässt der Blick in den digitalen Zerrspiegel einem Fühler und Insektenkiefer wachsen, der Mensch selbst wird in diesem Szenario unweigerlich als Aggressor wahrgenommen.“

Durch die virtuellen Interventionen der Künstler*innen soll dem Publikum der Blick durch die Augen eines Insekts ein besonderes Empathievermögen vermittelt werden. So plädieren hierbei unter anderem die Insekten für den Verzehr von Walfleisch. „Wieso sollte ein einzelner Wal mehr wert sein als eine Milliarde freundlicher Käfer?“
(Bianca Kennedy und The Swan Collective)

Britta Thie wurde 1987 in Minden geboren und lebt in Berlin. Nach ihrem Studium der Bildenden Kunst, das sie als Meisterschülerin bei der Filmemacherin Prof. Hito Steyerl an der UdK Berlin abschloss, verbreitete sie ihre videobasierten Arbeiten meist selbst über das Internet. Von 2010 bis 2011 studierte sie mit einem DAAD Stipendium in New York an der Cooper Union for Science and Art. In den Jahren 2016 und 2017 war sie Stiftungsprofessorin für Zeitbasierte Medien und Performance an der Hochschule für Gestaltung Offenbach.
Thie benennt das Verlorensein zwischen Virtualität, Internationalität und Simultanität. Ihre Web-Serie Translantics (2015, koproduziert von der Schirn Kunsthalle und ZDF/ARTE) beleuchtet am Beispiel von drei jungen Frauen eine Generation, die sich zwischen der analogen Vergangenheit und der Ästhetik der modernen Technologien hin und her bewegt. Die Künstlerin zeigte diese Arbeit als Installation im Schinkel Pavillon in Berlin, in der Videokunstsammlung Julia Stoschek und auf Filmfestivals (Forum des Images, Series Mania). Im Juni 2018 eröffnete ihre Einzelausstellung POWERBANKS im Museum Abteiberg.

Portraits von Jugendlichen hängen großformatig an den Wänden. Beim Betreten des Raumes, wird man von zahlreichen Augenpaaren verfolgt. Die Ästhetik der Bilder entspricht der von sogenanntenTrading Cards Games, Sammelkartenspiele, im Stil von Science Fiction und Fantasy. Ein bekannter Vertreter dieses Genres ist das im Jahr 1993 entstandene SpielMagic: The Gathering. Analoge Kartenspiele wie dieses sind nicht nur wegen ihres festen Regelwerks, der Decks (Spielkarten Sets), Quests (Aufgaben), unzähliger Phantasiewesen, Zaubersprüchen, Artefakten, Helden (Planeswalker) und der Mana (Zauberkraft) äußerst populär, sondern das Sammeln, das Tauschen und das Handeln mit diesen Spielkarten entwickeln eine eigene Dynamik und Faszination.

In ihrer Installation POWERBANKS präsentiertBritta Thieeine übergroße Ausführung eines aufwändig gestalteten vollständigen Karten-Decks, das man sofort für ein Spiel einsetzen könnte. Dazu verwendet die Videokünstlerin die Protagonist*innen ihrer jüngsten gleichnamigen Filmproduktion, die auch im Rahmenprogramm dieser Ausstellung gezeigt werden wird. Die einzelnen Character sind aus dem Film direkt in ihr kreiertes Deck, also von der digitalen auf die analoge Ebene transferiert worden und haben eine neue Identität angenommen. Die Spieler*innen dieser Karten wiederum leben kollektiv die angebotene Fiktion aus. In Bezug auf den heutigen Kunstmarkt verweisen die Karten auf den Umgang mit Kunstgütern und die Praktiken des Sammelns und Akquirierens.

Zudem wird der Prozess der Gamification illustriert, wenn spieltypische Elemente (Punkte, Level, Fortschrittsbalken, Prozentzahl, Auszeichnung) in eine neue Umgebung übertragen werden und Spiel und alltägliches Leben sich so wortwörtlich überschneiden. Das Verhalten und die Motivation des Individuums wird auf diese Weise beeinflusst und zugleich Phänomene wie Kommerzialisierung und die Vermarktung des eigenen Bildes thematisiert. Die Künstlerin untersucht die möglichen Auswirkungen des Nutzer*innen-Verhaltens in sozialen Medien: In den Kontext von Fantasie-Symbolen exponiert, sind die Figuren mit Skills ausgestattet und gelten als Referenz für die Selbstinszenierung und -vermarktung, dem sogenannten ‚Trading‘ der eigenen Person in den Social Media.

Mikka Wellner, in Berlin geboren, studierte von 2006 bis 2011 an der HfBK Dresden.
Von 2011 bis 2013 war er Meisterschüler bei Prof. Eberhard Bosslet. Er lebt und arbeitet in Berlin.

In seinen Arbeiten verbinden sich Referenzen der Geschichte und kulminieren in ortsspezifischen, skulpturalen Installation. Er erhielt diverse Stipendien. Nach Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen u. a. in Istanbul, Beirut, Hamburg, Berlin, Halle, Frankfurt am Main und Amrum präsentierte er seine Arbeiten jüngst in einer Einzelausstellung im Rockefeller Center in Dresden.

In der Arbeit »The MacGuffin-Bloc« verbinden sich Referenzen aus der Popkultur und der Filmgeschichte mit dem physiologischen Prozess des Sehens zu einer skulpturalen und ortsspezifischen Installation.

Der Begriff ‚MacGuffin’ wurde durch Alfred Hitchcock populär und beschreibt ein Objekt (oder eine Person), das die Handlung eines Films initiiert und vorantreibt, ohne selbst von besonderem Nutzen zu sein. Es ist das verbindende Element, das einer Geschichte Struktur und Glaubwürdigkeit verleiht, ohne selbst glaubwürdig oder sinnvoll sein zu müssen. Hier manifestiert es sich in einem spiegelnden Block, der die visuelle Wahrnehmung, also die Verarbeitung optischer Reize thematisiert. Da visuelle Wahrnehmung über das reine Aufnehmen von Information hinausgeht und Handlungen initiiert die relevante Informationen extrahiert, Elemente erkennt und durch Abgleich mit Erinnerungen interpretiert, dienen die Spiegel als Metapher und es gilt, sich beim Sehen für das Objekt oder die Reflexionen der Umgebung zu entscheiden. Das Objekt selbst ist ein MacGuffin und damit zweitrangig. Es fordert dazu auf, sich über den eigenen Prozess des Sehens Gedanken zu machen. Dieser Prozess wird durch eine auf die Spiegel gedruckte Ich-Erzählung unterstützt. In der Erzählung wird nicht deutlich, wer hier eigentlich spricht; vielmehr sollen Spekulationen angefacht werden, ob es sich um die Perspektive eines Tieres oder eines Menschen handeln könnte. Der Block versteht sich in seiner hermetischen Anmutung als ein Schutzraum. Wie ein Haus uns vor Wind und Wetter schützt, so schützt uns ein Gefängnis vermeintlich vor den Eingesperrten. Es bleibt im Unklaren wer hier eigentlich geschützt wird und vor wem.

Der Künstler kritisiert mit dieser Arbeit den Glauben an Erkenntnis durch Fortschritt und plädiert für einen radikalen Bruch mit unseren (Seh-) Gewohnheiten. Was sehen wir an? Und warum? Wer schaut, wer schaut zurück, oder bezugnehmend auf den sich im Inneren des Blocks befindlichen Comic: Who watches the Watchmen?

30.11.2019 15 – 16:30 Uhr
von Monika Gabriela Dorniak

Performance

08.01.2020 19 – 22 Uhr
Ein Abend über FanFiction und mit FanReality von Laura Eggert, Hannah Müller, Sonja Risse, Nele Stuhler
Anmeldung bitte bis 7.1.

Es ist der Tag des Jahres. Es ist DER TAG des Jahres. Es ist der Tag des Jahres, an dem Christa Wolf ein halbes Leben lang ihren Tag des Jahres dokumentierte. Aufgeschrieben, um etwas aus der schnell verblassenden Erinnerung zu retten, festzuhalten, sich selbst historisch zu betrachten. Ohne Pathos, ohne Helden. Gegen den Verlust von Dasein.
Nele hat sie gelesen, Christas Tage. Eigentlich hat sie alles von Christa gelesen. Naja oder fast. Nele ist so vertraut mit ihr, dass sie Christa sagt. Ohne Wolf. Und jetzt schreibt Nele ihren eigenen Tag des Jahres auf. Christa Wolf Fanfiction. Oder eher: Fanreality. Keine Fiktion. Alles, was geschrieben steht, ist wahr. Und wahr ist, dass sie abends mit Laura im Kino war. Die mag Christa Wolf auch.
Die Realität des Fans in der Zeit des Fans im Leben des Fans. Für die Historie. Für das sich selbst historisch Sehen. Für die Bühne. Für die Fans.

18.01.2020 19 – 22 Uhr
mit Britta Thie

POWERBANKS SCREENING mit

Sitzinseln, Steckdosen für Handys, freies WLAN:
Eine Shopping Mall ist nicht nur Anziehungspunkt für ein konsumorientiertes Publikum.

Sie ist auch ein Treffpunkt für junge Leute, die in dieser synthetisch gestylten Welt ihre Freizeit und sich selbst zur Schau stellen:

Auf sogenannten Sitzinseln hängen sie in Cliquen ab, laden ihre Handys, ihre Powerbanks und gleichzeitig auch sich auf, benutzen FreeWifi,
um ihre Selfies sofort auf sozialen Kanälen zu posten und sie bewegen sich dabei mit einer Selbstverständlichkeit durch die Malls – ein für sie physisch-essentieller Rückzugsort mitten in der Öffentlichkeit.

In der aktuellen Ausstellung «My Fiction and You » präsentiert die Videokünstlerin Britta Thie ihre Installation POWERBANKS. Die darin agierenden jugendlichen Protagonist*innen treten auch in ihrer gleichnamigen Filmproduktion POWERBANKS SCREENING in Erscheinung.
Am 18.01.20, um 19 Uhr stellt die Künstlerin ihren aktuellen Film vor, gibt Einblick in ihre Produktion und lädt zum Gespräch.

Sathit Sattarasart (*1979) ist ein Künstler, dessen Arbeiten sich hauptsächlich um die Entstehung von Dingen drehen, während er sich auf kunstbezogene Themen, Material, Prozess und Struktur der Dinge konzentriert, aber auch mit verschiedenen Themen von der Politik bis zum Alltagsleben arbeitet. Sattarasarts Werke wurden in mehreren internationalen Ausstellungen gezeigt, darunter Asian Film & Video Art Forum im MMCA, Seoul (2015), Home Stories in der KfW Stiftung, Frankfurt am Main (2013), Move on Asia im ZKM, Karlsruhe (2013), Busan Biennale 2006. Sathit Sattarasart schloss 2017 sein Studium an der Staatlichen Hochschule für Bildende Künste in der Klasse von Professor Tobias Rehberger ab (Meisterschüler) und lebt und arbeitet derzeit zwischen Berlin und Bangkok.

In seiner künstlerischen Praxis verfolgt Sathit Sattarasart verschiedene Stränge, die von Skulpturen und Installationen hin zu eigenen kuratorischen Projekten reichen. Sie alle eint eine intensive Auseinandersetzung mit dem jeweiligen Ort oder Kontext, in dem sie später gezeigt werden sollen. Einer dieser Stränge ist die Reihe »pedestals«, in der er für Kunstwerke anderer Künstler*innen Sockel entwickelt, um diese zu zeigen. Dies kann in einem ganz materiellen Sinne gemeint sein, aber findet ebenfalls auf der nicht physischen Ebene statt. So war bspw. einer der letzten »pedestals« ein Duft, um einen befreundeten Künstler während einer Eröffnung erkennbar zu machen. Für den Bärenzwinger entwickelte Sattarasart zwei neue »pedestals«. Im Gegensatz zu ihren Vorgängern sind sie zwei verschiedenen Objekten gewidmet und keinen Kunstwerken im engeren Sinne. Auf einem befindet sich eine kleine Skulptur auf einer farbigen Plexiglasscheibe. Die Skulptur ist ein Modell, welches angefertigt wurde, um Schnute, die letzte im Bärenzwinger verbliebene Bärin, präparieren zu lassen. Die Proportionen des Sockels lehnen sich an die Körpergröße der Bärin im Verhältnis zum Käfiginnenraum an, in dem der Sockel platziert ist. Seine Position, die damit verbundene Distanz, die der Betrachter zu ihr einnehmen muss, und Farbe sind Verweise auf die Privatheit, die der Künstler für die Skulptur zu konstruieren versucht. Der zweite Sockel ist immateriell und bettet Bärenhaare der beiden letzten Bärinnen des Bärenzwingers – Maxi und Schnute – in eine Narration ein.

Anna Virnich (*1984) graduierte 2013 in der HfBK Braunschweig. Jüngste Einzelausstellungen fanden statt bei der Schering Stiftung, Berlin (2019); Arratia Beer, Berlin; Galerie Nathalie Halgand, Wien, Art-O-Rama, Marseille (alle 2017); Proyectos Monclova, Mexico City (2016). Die Künstlerin nahm außerdem an einer Vielzahl von Gruppenausstellungen teil, u.a. bei Hunt Kastner, Prague (2018), Centre d’Art Contemporaine Chanot, Clamart, Frankreich; Proyectos Monclova, Mexiko-Stadt (beide 2017). Anna Virnich lebt und arbeitet in Berlin.

Anna Virnich hat für ihre Installation diverse organische Materialien verarbeitet, die alle in einem Arrangement aus Leder, Wachs und Duft auf die körperliche Abwesenheit des Bären reagieren. Die Materialien erfüllen dabei alle eine unterschiedliche Funktion. Während das Leder die körperlichen Ausmaße des Bären verdeutlicht, hat Wachs einen hautfarbenen Ton und strahlt eine hohe Verletzlichkeit aus. Der Duft schließlich besetzt den Raum auf einer olfaktorischen Ebene, die die Bären auch lange besetzt haben, die aber für die menschliche Nase verflogen ist. Dies spiegelt auch die Art des Erzählens über Erinnerung, welche in der gesamten Ausstellung erprobt wird.

Jasmin Werner (*1987 in Troisdorf) lebt und arbeitet in Köln. Im Jahr 2016 schloss sie ihr Studium an der Staatlichen Hochschule für Bildende Künste Städel-Schule in Frankfurt am Main ab. Ihre Werke wurden in Einzelausstellungen im Kunstverein Braunschweig, Braunschweig (2018), Gillmeier Rech, Berlin (2017), M.I / mi1glissé, Berlin (2016) und RM, Auckland (2014) sowie in Gruppenausstellungen im Braunsfelder, Köln (2018), Saloon, Brüssel (2018) und im Museum Folkwang, Essen (2017) gezeigt. Im Jahr 2017 absolvierte Jasmin Werner eine Residency am National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul.

Für das »Musée sentimental de l’ours de Berlin« hat Jasmin Werner zwei Installationen auf den Außenterrassen entwickelt, die Modulen von Baugerüsten ähneln und auf die Geschichte rund um das Berliner Stadtschloss rekurrieren. In den bildlichen Teilen der Arbeiten sind verschiedene Reflexionen in Fenstern des Stadtschlosses und des Palastes der Republik miteinander verbunden, sodass sie über zeitliche Abstände hinweg die Geschichte einer Stadt im Wandel und zwischen den Systemen erzählt, die der Bärenzwinger als Denkmal der Stadt ebenfalls durchlaufen hat, aber bisher keine so drastische Veränderung erlebt hat. Die Form der beiden Türme ist an das höchste Gebäude der Welt – das Burj Khalifa in Dubai – angelehnt, in dessen Stahlkonstruktion zu Teilen auch Stahl des Palastes der Republik Eingang gefunden hat.

05.03.2020 19–22 Uhr
mit Nschotschi Haslinger und Anna Virnich

Nschotschi Haslinger setzte sich während der Vorbereitung zu ihrer Arbeit intensiv mit der Geschichte des Bärenzwingers und der Heraldik des Stadtwappens auseinander. Dies ist vor allem noch den Körperhaltungen der verschiedenen Tiere innerhalb der Gruppe anzusehen. Haslinger nimmt dabei die Bären als Entitäten sehr ernst und versucht über die einzelnen Figuren und ihre Positionierung im Raum auch eine Geschichte der Beklommenheit zu erzählen und das empfundene Leid der Bären in Gefangenschaft spürbar zu machen.

Anna Virnich hat für ihre Installation diverse organische Materialien verarbeitet, die alle in einem Arrangement aus Leder, Wachs und Duft auf die körperliche Abwesenheit des Bären reagieren. Die Materialien erfüllen dabei alle eine unterschiedliche Funktion. Dies spiegelt auch die Art des Erzählens über Erinnerung, welche in der gesamten Ausstellung erprobt wird.

Im Gespräch erforschen die Künstlerin Nschotschi Haslinger und Anna Virnich, neben einer Einführung in die jeweiligen Arbeiten der Künstlerinnen, welche Fragen sich bei der Entwicklung einer ortspezifischen Arbeit im Bärenzwingen entstehen und wie man diesen künstlerisch begegnet. Der Bärenzwinger ist mit seiner starken und einmaligen architektonischen Erscheinung und seiner Geschichte ein schwierig zu bespielender Ort, der Künstler*innen seit seiner Gründung als kommunale Galerie immer Herausforderungen gestellt hat. Nschotschi Haslinger und Anna Virnich werden an diesem Abend einen Einblick geben, wie sie sich dem Ort genähert haben und auf welchen Ebenen mit ihm beschäftigt haben.

Unsere gesamte Lebensrealität ist bestimmt durch eine Vielzahl an wirtschaftlichen, ökologischen, politischen, gesellschaftlichen und sozialen Strukturen. Durch die Gliederung dieser oft unumstößlich wirkenden Gegebenheiten und der uns umgebenden Objekte, konstruieren wir Deutungssysteme, die die komplexen Beziehungen, in denen wir leben, ordnen und begreiflich machen sollen. Dabei sind sie Orientierung und Sicherheit zugleich, ist doch der Rückgriff auf die uns vertrauten Denk- und Wahrnehmungsmuster immer auch ein Akt der Selbstvergewisserung.

Doch was geschieht, wenn uns diese Vertrautheit mit den uns umgebenden scheinbar alltäglichen Dingen plötzlich entgleitet, Semantiken sich verschieben, überlagern und neuordnen, wir an unseren gewohnten Deutungs- und Einordnungsmechanismen zu zweifeln beginnen?

Die Ausstellung „Intimate Matter“ mit den Künstler*innen Marlene Zoë Burz, Lisa Premke und David Reiber Otálora bewegt sich unbemerkt in Grenzgebiete der Wahrnehmung, schafft intime Momente der Irritation und versucht den feinen Übergang zwischen uns Bekanntem und Unbekanntem sichtbar zu machen. Die gezeigten Arbeiten spielen mit der Destabilisierung und Rekontextualisierung von Objekten und Materialien.

Die Wandel- und Verhandelbarkeit der von uns produzierten Deutungszusammenhänge wird erkennbar, wenn die Materie, die Objekte im Raum ihre angedachte Funktionsweise von sich streifen und eine neue und eigene Form von Wirklichkeit für sich geltend machen. Die vertrauten Beziehungen zwischen den einzelnen Gegenständen und ihren Betrachter*innen werden neu gedacht und in einen anderen Zusammenhang überführt. Lassen wir uns darauf ein, so birgt dies das Potential, das Verhältnis zu unserer Umgebung, die vermeintliche Sicherheit darüber, was wir zu wissen glauben, neu zu denken und zu sehen.

Kuration Ausstellung & Veranstaltungen

Ulrike Riebel und Nandita Vasanta

Jan Tappe und Hauke Zießler

Grafik: Viktor Schmidt

Übersetzung: Andrea Scrima
Produktion: Carolina Redondo
Produktionsassistenz: Felipe Monroy

Konzepttext zum Download

Marlene Zoë Burz, geboren 1990 in Stuttgart, studierte von 2010-2015 an der Kunsthochschule Berlin Weißensee bei Prof. Hanns Schimansky. 2016 war sie Meisterschülerin bei Prof. Friederike Feldmann. Seit 2016 organisiert und kuratiert sie zusammen mit Manuel Kirsch und Björn Streeck den Projektraum SOX auf der Oranienstraße 175 in Berlin. Ihre Arbeiten wurden u.a. in Toronto, Bregenz, Bern, Bonn und Berlin gezeigt. Sie lebt und arbeitet in Berlin.

Als geradezu fremdvertrautes Schriftbild muten die Formen an, die die Künstlerin Marlene Zoë Burz auf das den Hauptraum des Bärenzwingers umlaufende Banner gezeichnet hat. Doch so sehr wir auch versuchen, die Zeichen unseren Sehgewohnheiten entsprechend in eine uns bekannte Lesbarkeit zu überführen, bleibt diese uns doch weitestgehend verschlossen. Erst auf den zweiten Blick lassen sich die zufällig angeordneten Formen als schablonenhafte Abstraktionen von Knochen erahnen. Knochen sind fundamentaler Bestandteil jedes Wirbeltiers, jedes menschlichen Körpers und doch stets unter der Oberfläche verborgen – ein unsichtbarer, geradezu intimer Bereich, der erst durch massive Eingriffe in die körperliche Materie Sichtbarkeit erlangt. Und doch ist ihre Funktion selbst eine schützende, Struktur und Halt gebende. Rekontextualisiert wird diese Ambivalenz in den kapuzenförmigen Objekten im Raum, die auf geradezu surreale Weise in Interaktion mit der Formsprache der Zeichnung treten. Während die Knochen als Form auf Papier überführt werden, beruhen die plastischen Kapuzenobjekte auf zweidimensionalen Schnittmustern. Doch auch in den Kapuzen selbst, zunächst einmal alltägliche Kleidungsstücke, spiegelt sich das doppeldeutige Verhältnis von Form und Oberfläche, Innen und Außen. In ihrer Vergrößerung erwecken sie den Eindruck einer schützenden Verhüllung und werfen dabei doch zugleich zwangsläufig die Frage nach einem Inneren, einer verborgenen Körperlichkeit auf.

Lisa Premke, geboren 1981, studierte zuerst Architektur und anschließend Bildende Kunst an der Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam bevor sie ihren Master of Sound for the Moving Image an der Glasgow School of Art machte. In ihren Arbeiten sucht Premke nach Spuren kollektiver Systeme in Objekten und Materialien und gibt ihnen eine eigenständige Stimme und Narration. Für ihre ortspezifischen Projekte wurde sie wiederholt zu internationalen Aufenthaltsstipendien, wie der Bangalore Goethe Residency Kochi in Indien, der Košice Artist in Residence (Slowakei) und der Binaural Nodar in Portugal eingeladen. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Ausstellungen gezeigt, unter anderem in der Kochi Muziris Biennale Pepperhouse Residency in Indien, der Berliner galerie weisser elefant, im Studio 1 Künstlerhaus Bethanien in Berlin und im Arti et Amicitiae in Amsterdam. Als Sound- und Raumdesignerin arbeitet Lisa Premke seit Jahren in Kooperationen mit verschiedenen Künstlern, Filmemachern und Choreographen. 2019 ist die Künstlerin Preisträgerin des Neuköllner Kunstpreises sowie Stipendiatin des Kulturaustauschstipendiums Global des Berliner Senats.

Deutlich sicht- und hörbar hingegen erstreckt sich Lisa Premkes Soundinstallation als symmetrisch angeordnetes Muster über die rechte Außenterrasse des Bärenzwingers. Eine Vielzahl verschiedener Ketten spannt sich über den begrünten Bereich, die Bodenflächen entlang über das Wasserbecken. Die Ketten bewegen sich, angetrieben durch mehrere Motoren, in unregelmäßigen Rhythmen, erzeugen in der Berührung miteinander wie auch mit ihrem Untergrund und dem sie partiell umhüllenden Wasser unterschiedliche Klänge. Im Prozess des Spannens und Entspannens verändern die Ketten ihren Zustand, ihre Dynamik und werden zu bewegten Körpern. Dabei erzeugen die verschiedenen Materialitäten und Stärken der Ketten eine Pluralität an Stimmen, jeweils eigene Narrationen, die sich im Laufe der Zeit durch Reibung und Korrosion verändern. Die akustischen Unregelmäßigkeiten und Variationen im Klang vermitteln den Eindruck eines intentionalen, bewussten Agierens, der Fähigkeit eigenständig zu handeln. Fast scheint es, als wären die zu vernehmenden Klänge ein Akt der Selbstermächtigung, individuelle Stimmen die sich formieren, um den ihnen zugewiesenen Objektstatus ein für alle Mal abzulegen. Die Ketten treten mit ihrer Umgebung, den sie berührenden Materialien in Interaktion, sind aktiver Teil eines Wechselverhältnisses, in dem sie gleichermaßen verändert werden wie auch selbst die umliegende Substanz verändern.

David Reiber Otálora, geboren 1992 in Münster (Westfalen), wuchs in Kolumbien auf und studiert derzeitig bildende Kunst mit Schwerpunkt Film und Zeitbezogene Medien an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Dort schloß er im Juli 2016 seinen Bachelor ab und begann ab Oktober desselben Jahres sein Masterstudium in den Klassen von Robert Bramkamp, Matt Mullican und Angela Schanelec. In seinen Filmen und bildhauerischen Arbeiten (gelegentlich auch Bühnenbilder) beschäftigt sich David Reiber Otátora mit Exotismen und kolonialen Repräsentationen des Anderen und forscht nach Möglichkeiten, diese als Grundlage fantastischer und doppeldeutiger Narrationen zu affirmieren. Seine Arbeiten wurden bereits in unterschiedlichen nationalen und internationalen Institutionen, Ausstellungsräume und Festivals gezeigt (u.a. in Frankfurt, London, Paris, Bogota, Shanghai).

David Reiber Otáloras Installationen erinnern auf den ersten Blick an allgegenwärtige und gerade deshalb oft unbemerkte Elemente in fast jedem Innenraum. Die gefalteten metallenen Objekte sind mit schwarzen, schattenhaften Konturen von Heizkörpern bemalt und erweitern als vermeintlich alltägliche Wärmespender die Räume des Bärenzwingers. Doch werden dabei nicht nur unsere Sehgewohnheiten durch die Übersetzung dreidimensionaler Körper in eine Zweidimensionalität ad absurdum geführt. Auch die uns bekannten Funktionsweisen von Gegenständen werden verkehrt, produzieren die Arbeiten doch nicht selber Wärme, sondern werden vielmehr durch externe Licht- und Wärmequellen erhitzt. Zugleich scheint es fast, als erhielten die gezeichneten Umrisse durch ihre Wärmeempfindlichkeit eine fiktive Körperlichkeit zurück. Ihre punktuelle Erhitzung führt zu einer Veränderung der Oberfläche, lässt die Heizkörperkonturen unsichtbar werden. Zum Vorschein treten versteckte Zeichnungen, die an Höhlenmalereien erinnern. Wie in der Chauvet-Höhle, deren berühmte Höhlenmalereien aufgrund ihrer Lichtempfindlichkeit nur für wenige Sekunden durch den Strahl einer Taschenlampe visuell wahrnehmbar werden, ist auch hier die Sichtbarkeit eine temporäre, die sich mit der Abkühlung der Installation verflüchtigt.

17.08.2019 19 – 22 Uhr
mit Julia Pomeranzewa und Christa Junge

Am 17. August 1939 öffnete der Bärenzwinger im Köllnischen Park seine Pforten, um den Berlinern das lebendige Wappentier ihrer Stadt zu präsentieren. Nach dem Zweiten Weltkrieg lebten im Zwinger seit 1949 über viele Jahre hinweg immer mindestens 2 Bären, bis 2015 die letzte Stadtbärin Schnute verstarb.

Seit September 2017 ist das ehemalige Bärengehege der Berliner Stadtbären als Kulturort für ortsspezifische zeitgenössische Kunst in Berlin-Mitte geöffnet und bietet den Besucher*innen neben dem wechselnden Ausstellungsprogramm auch ganz grundsätzlich die Möglichkeit, sich das ehemalige Domizil der Bären zu besichtigen.Zum Anlass des achtzigjährigen Jubiläums des Geheges veranstaltet der Bärenzwinger ein Abendprogramm, das die Geschichte, Gegenwart und Zukunft vorstellt und bespricht. Gemeinsam mit der Kulturwissenschaftlerin Julia Pomeranzewa und Christa Junge vom Verein Berliner Bärenfreunde e.V. gibt das Team des Bärenzwingers einen Einblick in die gegenwärtige Nutzung des Bärenzwingers, persönliche Perspektiven auf und Erinnerungen an die Bären und die Bedeutung des Zwingers innerhalb der Stadtgeschichte Berlin.

06.09.2019 19 – 22 Uhr Presentation by Hopscotch Reading Room

Die Veranstaltung findet in Englischer Sprache statt.

Hopscotch Reading Room, ein nicht-kommerzieller Buchladen, Lese- und Veranstaltungsort in Berlin ist für einen Abend zu Gast im Bärenzwinger. Wir freuen uns sehr auf diesen Abend mit unserem Gastgeber Siddhartha Lokanandi, Kodwo Eshun und Moses März.

An diesem Abend werden wir mit Kodwo Eshun sprechen, einem Schriftsteller und Denker, der seit langem in die Idee des »Panafrikanismus« – ebenfalls dem Thema seines nächsten Buches – vertieft ist, und sich in diesem Zusammenhang mit der wegweisenden Verlagsreihe »African Writers Series« beschäftigt. Diese Sammlung ist auch eine der Säulen, auf denen die Idee des »Hopscotch Reading Room« ruht. Nun, was ist dieses wundersame Ding, wie sieht es aus, was lehrt es uns?

Wir werden einen Teil unserer Sammlung dieser Bücher zeigen und mit Kodwo über diese Serie, ihre Herkunft, Wirkung und Reichweite, über das Publizieren in den neuen unabhängigen Nationen Afrikas und vieles mehr sprechen. Im Anschluss daran wird Moses März einige der von ihm für die neueste Ausgabe der »Chimurenga Chronic: Die afrikanische Vorstellung von einer grenzenlosen Welt« produzierten Karten vorstellen, zusammen mit den redaktionellen Debatten und dem Forschungsprozess, der sie geprägt hat. Er wird auch darüber sprechen, wie die Gründung von Mittel & Zweck, inspiriert von seiner Zusammenarbeit mit Chimurenga und dem Wunsch, einige seiner Methoden in einen deutschsprachigen Kontext zu übersetzen, erfolgte.

Auf diese Weise versuchen wir, einen Bogen aus den Ideen der »African Writers Series« zu ziehen und wie sie sich in der Gegenwart weiterentwickeln und manifestieren.

06. + 12.10.2019 14 – 16 Uhr
Experimentelle Audiotouren mit Karl Heinz Jeron

Als Teil der aktuellen Ausstellung »Intimate Matter« wird uns Karl Heinz Jeron auf einen eWalk mitnehmen, bei dem die städtische Umgebung des Bärenzwingers erkundet wird. Die eWalks beziehen sich auf das Konzept des Dérive und Détournement. Dérive oder ›streunen‹ bedeutet spazieren gehen und dabei den eigenen emotionalen und psychologischen Bahnen der städtischen Umgebung zu folgen, sich dabei jedoch nicht auf eine geplante Infrastruktur zu verlassen (z.B. den kürzesten Weg von der Arbeit nach Hause).

Ein Dérive zu verfolgen, verlangt »… to notice the way in which certain areas, streets, or buildings resonate with states of mind, inclinations, and desires, and to seek out reasons for movement other than those for which an environment was designed«, so Sadie Plant 1992.

Während des Stadtspaziergangs kombiniert ein Mikrocontroller die GPS-Lokalisierung mit der OpenStreetMap-Software und dem gemeinfreien e-Text Archiv des Gutenberg Projects, um die Audioquelle für eine mobile Radiosendung zu erstellen. Mithilfe von GPS-Koordinaten und der OpenStreetMap werden die Straßennamen ermittelt und bei Gutenberg.org als Suchbegriffe verwendet. Auszüge der Ergebnisse werden in Audio (Text-zu-Sprache-Software) umgewandelt und an die Radios der Teilnehmer*innen gesendet. Der Mikrocontroller führt alle Schritte automatisch aus. Für die Audiotour wird ein Magnetfelddetektor zur Orientierung verwendet.

Die eWalks sind in deutscher Sprache. Da die Teilnehmer*innenzahl begrenzt ist, bitten wir um Rückmeldung unter info@baerenzwinger.berlin.

23.10.2019, 19 – 22 Uhr

Unsere gesamte Lebensrealität ist bestimmt durch eine Vielzahl an wirtschaftlichen, ökologischen, politischen, gesellschaftlichen und sozialen Strukturen. Durch die Gliederung dieser oft unumstößlich wirkenden Gegebenheiten und der uns umgebenden Objekte, konstruieren wir Deutungssysteme, die die komplexen Beziehungen, in denen wir leben, ordnen und begreiflich machen sollen.

Während diese Systeme einerseits eine gewisse Form der Sicherheit geben, produzieren sie andererseits auch Momente der Ausgrenzung. Kunsträume reproduzieren, oft unbewusst, solche Strukturen des Ausschlusses, selbst wenn sie anstreben, diese zu hinterfragen oder ihnen entgegenzuwirken.

An diesem Mittwoch setzen wir uns mit den verschiedenen Ebenen dieser Ambivalenz auseinander. Welche Formen der Diskriminierung existieren in Kulturstandorten der Stadt Berlin und wie können kulturelle Orte sich öffnen, um diese Strukturen konkret zu ändern und nicht nur infrage zu stellen.

Clare Molloy, Assistenz Kuratorin im Gropius Bau, erforscht dies zusammen im Gespräch mit der Schriftsteller*in SchwarzRund und Erkan Affan, Aktivist* und Kurator*. Die Veranstaltung findet in englischer Sprache statt.